Vida y Obra

Jeff Koons

Biografía

Jeff Koons es un autor americano nacido en Pennsylvania en el año 1955. A pesar de lo sorprendente y algo perturbado que pueda parecer, Koons es uno de los autores vivos mejor cotizados.
Trabajó como corredor de bolsa de Wall Street, y lo dejó todo para dedicarse a realizar estas peculiares esculturas. Es el primer artista que contrató una agencia de publicidad para darse a conocer, y también el primero en tener un asesor de imagen.

Los trabajos de este excéntrico autor se tratan de esculturas monumentales inspiradas en lo Kitch, e influenciadas por el Pop Art y el Minimal Art, que expone al aire libre y destacan por los más diversos materiales, como flores y globos. 

Jeff Koons se formó en la School of the Art Institute of Chicago (SAIC) y se licenció en bellas artes por el Maryland Institute College of Art (MICA) de Baltimore en 1976. Ese mismo año se trasladó a Nueva York, donde sufragó la producción de sus primeras creaciones como corredor de bolsa en Wall Street. La habilidad de Koons en las transacciones bursátiles y comerciales se trasladaría también al mundo del arte, ya que desempeñó funciones de captador de socios para el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, con gran acierto. Esa experiencia iba a resultar decisiva en su posterior carrera artística, marcada por una clara visión mercantilista.

Su obra se iniciaría en 1979 con la serie “Inflatables”, objetos de vinilo (en su mayoría flores) colocados entre espejos, que mostraban ya la intención del autor de combinar el objeto representado con el entorno y los reflejos que del mismo aparecían en él. El gusto por lo kitsch y la utilización de objetos y motivos cotidianos en sus piezas convertirían a Koons en un trasgresor para algunos y en un impostor para otros: una figura polémica que despertaría a lo largo de su carrera odios y pasiones, pero que no dejaría a nadie indiferente.

Características del artista:

A principios de la década de 1980, Koons realizaría las series “Prenew” y “The New”, en las que convivían cafeteras, aspiradoras, radiadores y demás utensilios presentes en la mayoría de los hogares. En “The New”, las aspiradoras, solas o en grupo, se combinaban de todas las maneras posibles en unas vitrinas de plexiglás con tubos fluorescentes. En 1984 presentó algunas de sus obras en la galería neoyorquina International with Monuments; los expertos lo adscribieron entonces al movimiento Neo-Geo (Neo-Geometric Conceptualism), que incluiría a figuras dispares como Haim Steinbach y Meyer Vaism.

Su fama crecía a la par que su producción se diversificaba, tanto en los temas tratados como en las técnicas y los materiales utilizados. En su serie “Equilibrium”, realizaba esculturas en bronce de objetos deportivos como pelotas de baloncesto, que se convertían también en motivo escultórico (tomando el relevo de las aspiradoras) en creaciones que simulaban peceras, pues los balones aparecían dentro de urnas de cristal medio llenas de agua. Paralelamente inició su estrecha relación con el mundo de la publicidad y el marketing con una serie de anuncios relacionados también con el mundo del baloncesto, protagonizados por famosos jugadores pero también por aficionados anónimos.

La vertiente comercial continuó con la serie “Luxury & Degradation”, en la que ponía su creatividad al servicio de anuncios de conocidas marcas de bebidas alcohólicas, para una de las cuales realizó una serie de pequeñas esculturas en acero inoxidable. Este material predominaría también en su siguiente serie, “Statuary”, en la que combinaba motivos clásicos (Busto del rey Luis XIV) con diseños modernos, como su famoso Conejo. “Banality” supondría a finales de la década una radicalización del gusto por lo kitsch, que llegaría a sus más altas cotas en esta serie. Porcelana, cristal, madera policromada y otros materiales le servían para representar todo tipo de objetos y motivos. A esta serie corresponde la representación en porcelana del cantante Michael Jackson con su mono mascota, Michael Jackson and Bubbles (1988).

A finales de la década de 1980, Koons inició una relación amorosa con la actriz porno italiana Illona Staler, Cicciolina, que presidiría su siguiente serie, “Made in Heaven”: esculturas de cristal, figuras de plástico, óleos, litografías y fotografías representan a los dos amantes en todo tipo de posturas amorosas, sin evitar un evidente carácter pornográfico. Koons y Cicciolina se casaron en 1991, y en 1992 nació su hijo Ludwig, pero la unión se rompió poco después, ocasionando un litigio legal por la custodia del pequeño en los años siguientes. Tras la separación, los motivos de la serie se sustituyeron por perros, gatos y flores, con una potenciación del mal gusto o de lo cursi y recargado según las interpretaciones.

La relación con Cicciolina y el escándalo de su ruptura afectaron al prestigio artístico de Koons, que en los años noventa vivió su peor época, si bien una de sus obras más conocidas data de 1992. Puppy, una representación de un perro gigante de más de doce metros de alto cubierto de flores, fue creado para una muestra de arte en Arolsen (Alemania) y se pudo ver también en Sydney y Nueva York, antes de trasladarse al Museo Guggenheim Bilbao, donde preside la entrada de forma permanente.

A partir de Puppy, la obra de Koons mostraría cada vez más una tendencia hacia el monumentalismo. “Celebration” se iniciaba con óleos sobre lienzo que representaban animales y objetos varios sobre unos fondos que parecían metalizados, una idea que daría paso, en la misma serie, a las primeras esculturas gigantes de acero inoxidable, como Balloon Dog, Hanging Heart o Balloon Flower, concebidas como objetos-globo en cuya superficie metálica se reflejaban las imágenes. “Elephant”, un elefante de acero inoxidable, y “Split Rocker”, otro perro floreado al estilo de Puppy e instalado en el Palacio de los Papas de Aviñón (Francia) desde 2000, fueron series continuistas en lo referente al gusto por las grandes dimensiones de las obras.

En conclusión, Jeff Koons es tan conocido por sus polémicas obras como por su gran habilidad para darlas a conocer y conseguir que se revaloricen continuamente. No dudó en ser uno de los primeros artistas en contratar a un asesor de imagen y en iniciar campañas de marketing, que incluían anuncios con una fotografía suya a toda página en las principales revistas de arte. La comercialidad de su arte se basa en un amplio equipo de colaboradores, cerca de una treintena de personas (investigadores, ingenieros, arquitectos, gestores o mánagers) con las que lleva a cabo una producción industrial del arte en la que no necesariamente el artista es el autor material de la obra que va a llevar su nombre. Este sentido colectivo en la creación artística recoge, de alguna manera, la tradición del célebre estudio de Andy Warhol, conocido como The Factory. Pero por otra parte, este personaje peculiar destruye el concepto del artista como artesano de sus propias obras, haciendo uso de una cadena de montaje y repetición, perdiendo así el valor propio de la obra de arte.

Las esculturas de Koons están acorde al ese mundo publicitario, cuyas obras en metal, porcelana y materiales sintéticos, aportan un color y función propias por medio del fetiche. Por medio de ellas, muestra sus sentimientos más ocultos, como una manera de demostrar al mundo sus deseos, sus temores o fracasos.

Koons es doctor honoris causa por el Corcoran College of Art & Design de Washington, D. C. Sus obras han sido exhibidas en museos de todo el mundo, y forman parte de colecciones públicas como las del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, el Whitney Museum of American Art y el Guggenheim Museum, también en Nueva York, la National Gallery y el Hirshhorn Museum de Washington, el San Francisco Museum of Modern Art (SFMoMA), la Tate Gallery de Londres, el Stedelijk Museum de Amsterdam o el Tokyo Metropolitan Museum.

En noviembre de 2007, toda esta estrategia culminó al convertir a Koons en el artista vivo más caro: Hanging Heart, una obra por la que siete años antes se habían pagado 700.000 euros, se vendió por 15 millones de euros. El pintor británico Lucian Freud rompería ese récord en mayo de 2008 con los 21,7 millones de euros pagados por su obra Benefits Supervisor Sleeping. Un mes más tarde, Balloon Flower (Magenta), de Koons, alcanzó los 16,3 millones de euros, cifra récord en el artista.

En septiembre de 2008 se inauguró en los jardines del palacio de Versalles la primera retrospectiva dedicada al artista en Europa. A su escalada a la cima del mercado y su “toma” de Versalles hay que sumar las muestras que tuvieron lugar paralelamente en la terraza del Metropolitan neoyorquino (un perro salchicha, un corazón y un Winnie The Pooh), en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y en la Neue Nationalgalerie de Berlín.

 

 

 

Vida y Obra.

Marcus lupertz.

Biografía:

Marcus Luperzt, nació en Liberec (República Checa), el 25 de Abril de 1941, conociéndose como pintor, escultor y escritor alemán, relacionado con el posmodernismo de los neos, como es el caso del Neoexpresionismo.

Estudió en la escuela de Bellas Artes de Krefeld con laurens Goznes. Más tarde, instalándose en Düsseldorf, donde crea la galería Grossgör 35 con Bernard Koberling y Kart Horst Hödicke.

En la década de los 70 se establece en Florencia, convirtiéndose más tarde en profesor en la academia de Bellas Artes de Karlsruhe. A partir de aquí, realizará numerosas exposiciones como por ejemplo en la documenta de Kassel o en la exposición

Neue Deutsche Kunst de Dusseldorf ya entrados los 80.

Características personales:

Lüpertz, vinculado al grupo Neue Wilden (Nuevos Salvajes), es uno de los miembros del neoexpresionismo alemán más rebeldes e individualistas que he podido contemplar. Sus obras son fuertemente expresivas a la vez que tormentosas, hecho que enfatizan la grandiosidad de sus formatos y el colorido fascinante que impregna sus cuadros. Temáticamente, suele partir de temas figurativos para derivarlos hacia la abstracción, recogiendo diversas influencias del arte del pasado; en especial, se suele inspirar en el paisaje y el cuerpo humano, que reinterpreta de una forma muy personal y espontánea. El artista se vale de una amplia variedad de géneros, materiales y técnicas propias, incluido su propio estudio para configurar la naturaleza en función de su propia realidad. Por tanto, todo artista debe  comenzar como lo hizo Luperzt, tomándolo de modelo e investigando la pintura con sus triunfos y desilusiones artísticas, para preguntarnos qué nos ocurre.

Su trayectoria artística se inicia en 1962 con la que él denomina pintura ditirámbica, estilo que, partiendo del informalismo, recrea la tradición artística alemana de forma personal y subjetiva; cercano al expresionismo abstracto de Antonio Saura o Willem de Kooning, se aleja de éste por su plasticidad, su cromatismo y su trazo figurativo, así como por el carácter compositivo de la obra. A finales de los 60 y comienzos de los 70 su obra se vuelve cada vez más figurativa: Cruces rojas-ditirámbico (1967), Casco III-ditirámbico (1970), Negro-Rojo-Oro I-ditirámbico (1974). En los años posteriores Lüpertz se replantea su estilo, con una serie de obras inspiradas en Max Beckmann: Estilo. Niña mirando el muro de una casa (1977), Estilo-de uno a diez (1977), Estilo-3 cuadros sobre la creación de la tierra (1977). En los años 80 realiza series sobre Orfeo y San Francisco de Asís, y otras inspiradas en Poussin Y Corot; aquí surge un dualismo entre representación formal y expresividad informalista, la voluntad de hacer una obra formalmente libre pero de carácter narrativo: Corot "Comida del filósofo" II (1985), Fantasmas del espacio intermedio-"Ateísta" (1987), Según Poussin-Sin título I (1989). Desde los 90 se afianza su estilo, más abstracto pero sin perder el carácter referencial, con un aire irónico o a veces paródico, un estudio subjetivo e intimista del arte.

Como escritor, Lüpertz edita su propia revista desde 2003, llamada Frau und Hund, editada en alemán y traducida a otros dos idiomas: Signora e cane, en italiano, y Femme et Chien, en francés. Lüpertz vive y trabaja entre Berlín, Karlsruhe, Düsseldorf y Florencia.

Vida y Obra

Bram Van Velde.

Biografía:

Nace en Zoetewonde, 1895. Se trata por tanto de un pintor holandés. Tendrá su influencia en el llamado Expresionismo alemán, en París el Fauvismo y más tarde el Cubismo hacia aspectos cada vez más abstractos. Según Samuel Beckett, escritor defensor de este artista, es el precursor del arte abstracto moderno.

De familia muy humilde y de padre pintor, se orientó ya desde su infancia y juventud por el camino de la pintura , comenzando siendo un ayudante de decorador. 

En 1922, marcha a Worpswede para continuar su formalización artística, vinculada hacia el Expresionismo, (Ejem: Desnudo amarillo). Más tarde, en 1925, viaja a París donde se imprime de la pintura impresionista con las formas de Van Gogth y Cezanne, para evolucionar al Fauvismo y mezcla de Cubismo, caracterizándose por medio de figuras simplificadas e indefinidas por el color.

En la década de los 30, viaja por todo el Mediterráneo (Mallorca), pero dada la contienda civil española huye a París, siendo más tarde encarcelado perjudicándolo psicológicamente. Los años posteriores en la posguerra, vive en ambiente de miseria y pobreza, dejando así de pintar.

Tras el término de la II Guerra Mundial, reanuda su actividad artística, reflejando en sus cuadros el ambiente vivido por los horrores de la guerra, cuadros sin profundidad, sin vida.

A partir de 1946, los artistas comienzan a resurgir de sus cenizas, donde comienzan a realizar diversas exposiciones por Europa y América. Es por tanto una época de cambios positivos para Van Velde, ya que recibe ayuda de su hermano también iniciador en la pintura, en el cual llevarán juntos diversas obras a exponer.

En 1965, se establece en Suiza, lugar donde expone una serie de obras propias, muy influyentes para toda Europa y Estados Unidos.

En la década de los 70, produce la litografía en un gran interés por la ilustración de libros. En 1977, regresa a París y en 1980 se instala en Grimaud, lugar en el que murió.

Características personales:

Desde mi punto de vista, partiendo desde su biografía y el video que nos expuso nuestro profesor Emilio Zurita, puedo comprender la figura de un hombre totalmente aislado del mundo. Pocas personas le prestaron atención, salvo el escritor ya presentado Samuel Beckett, que vio en el artista una persona desgraciada en el mundo de la pintura y sin rumbo.

Abandonó Holanda a los 25 años, “Desaparecí en mi aventura, no más país, familia, vínculos”, es por tanto síntoma principalmente de una figura ahogada en la misma pobreza y miseria, donde no regresará hasta bien entrada su vejez por miedo a no evolucionar y decaer psicológicamente. Quizás dada su total aislamiento, se deba a una mala educación de su familia, condicionado por un tiempo de cambios, crisis y época de conflictos bélicos.

Samuel Beckett, identificado con este pobre desgraciado, decide sacarlo de su pozo para poder comprender su obra y darla a conocer, donde le hace una serie de entrevistas para comprender su artística filosofía, instalándose en su ciudad residencial. Por tanto, Rosa Cúbica, será la encargada de visionar al mundo la aproximación en dos fases al mundo de este pintor Holandés, reflejando su intensa obra y esencial en sus tiempos difíciles.

En consecuencia, personalmente muestra una relación de vida comparada al arte de la pintura, mostrando un aire casi misterioso, a la vez que comprensible por sus circunstancias personales. Muestra a la pintura como un enfrentamiento personal.

Beckett, relaciona el problema de Van Velde como una negligencia categórica (la pintura sin resultados positivos), gran problema de la sociedad. “Cuando no pinto estoy siempre en el camino, espero, me preparo” aseguraba el artista en la entrevista con una esencialidad en sus enfrentamientos personales. Se le ve desamparado y posee una fuerza deslumbrante que aterra. Establece el cuadro como una lucha interna con un significado en común que alcanza a lo absurdo.

Un uso de frases como desentrañadas para la comprensión parcial de la actitud de misterio de este curioso artista, forman el término de esta extravagante  y reflexiva entrevista.